Los mejores álbumes de 2023 (hasta ahora)

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De alguna manera, ya es junio, y en nuestro mundo, eso significa que la temporada de festivales está en marcha. También es un buen momento para hacer un balance de toda la música que nos ha gustado (hasta ahora) en 2023. Por el bien de esta lista, solo contamos los proyectos lanzados entre el 1 de enero y el 1 de junio de 2023, lo que significa un número de grandes álbumes del 2 de junio no pasó el corte. Aquí, en orden alfabético, están nuestras elecciones de los mejores álbumes de 2023 (hasta ahora).

Los primeros dos álbumes de Altın Gün irradiaron el brillo de su espectáculo en vivo espaciado, con el sexteto reanimando canciones tradicionales turcas a través de ritmos funk pesados ​​​​conga y guitarras psicodélicas. Durante el aislamiento por la pandemia, encontró un nuevo camino a seguir, integrando computadoras y cajas de ritmos para Yol and Âlem de 2021. Pero era difícil no perderse la sensación de estar en el suelo completamente vintage, una preocupación rectificada en el quinto LP del grupo holandés/turco, Aşk, que salpica algunos sonidos nuevos y emocionantes (el centelleo ambiental de pedales de acero de "Güzelliğin en Para Etmez", la introducción estilo stoner-metal de "Rakıya Su Katamam"). —Ryan Reed

Katherine Paul, que actúa como Black Belt Eagle Scout, cimenta su lugar como una de las jóvenes voces independientes más interesantes de The Land, The Water, The Sky. Rinde homenaje a sus raíces swinomish con un impresionante retrato de su ascendencia nativa, capturando tanto el trauma como la belleza de su tierra natal canadiense y el cercano río Skagit. Exuberantes guitarras, cuerdas y melotrones evocan la serenidad y la tensión que chocan en canciones como "On the River" y "Sedna", mientras que la conexión con el hogar se ve impulsada aún más por la presencia de las voces de sus padres en la penúltima canción "Spaces, con el canto atronador de su padre cerrando la canción. — Tatiana Tenreyro

El cantautor Brian Dunne continúa con la gran tradición estadounidense de escribir una carta de amor a la ciudad de Nueva York después de que esta lo aniquiló mentalmente durante una década. Loser on the Ropes está lleno de crisis de personalidad, epifanías del metro y melodías en capas tan irresistibles como el olor a tocino, huevo y queso que sale de la bodega a las 3 a.m. El álbum se desliza sobre un sonido envolvente y escalofriante de cuerpo completo al estilo de War on Drugs y The National, excepto que ninguna de esas bandas admitió tener una "era de Schopenhauer" (pista siete: "The Optimist"). Las canciones de Dunne casi siempre tratan sobre personas que ocultan su dolor, se reprimen y/o sufren en silencio. "¿Qué vas a hacer, sentarte y morir?" pregunta en "Rockaway". "¿O tomas un bagel y dices bien?" Como todo neoyorquino sabe, no hay nada que un carbohidrato no pueda resolver. —Sarah Grant

En la mitología francesa del siglo XIV, Mélusine era mitad mujer, mitad serpiente, quien fue traicionada por su amante, se convirtió en un dragón y se fue volando. Mélusine es mitad chanson francesa, mitad canción artística idiosincrásica, que en su curso revela su propia majestuosidad. Con tres premios Grammy y un premio MacArthur "Genius" a su nombre, Salvant ya ha trascendido su estatus inicial como la intérprete de jazz más imaginativa y emocionante de su generación. Para retratar esta historia fantástica, va más allá, desde baladas de trovadores del siglo XII hasta una canción del oscuro musical de rock canadiense de los años 70 Starmania (y algunos originales), cantada principalmente en francés, criollo haitiano e incluso en la antigua lengua occitana. . La música de Salvant no se trata solo de yuxtaposición, se trata de síntesis y transformación, al igual que Mélusine. —Steve Hochman

La música country y el EDM hacen extraños compañeros de cama, y ​​las fusiones de los dos tienden a ser choques culturales cursis como el proyecto paralelo "folktronica" de Zac Brown, Sir Rosevelt. Afortunadamente, el trío de Los Ángeles, Cheat Codes, ha encontrado un punto ideal entre la balada pop-country y la euforia de la pista de baile. One Night in Nashville es un extraño crisol de culturas en el que Russell Dickerson menciona Third Eye Blind sobre un ritmo trop house en "I Remember", y grandes ritmos y banjos comparten espacio con Dolly Parton en "Bets on Us". Sin embargo, las melodías pegajosas y las letras enamoradas son lo que realmente une todas las guitarras de acero y los sintetizadores delirantes. —Al Shipley

Won't He Do It promueve la tradición de Griselda Records del clásico rap callejero de la ciudad de Nueva York de los 90 al estilo de Jadakiss, Biggie o Raekwon, hervido hasta su esencia y servido tan relajado como lo son los raperos. El tuneador interno Daringer lleva el LP con ritmos que parecen a medio terminar pero nunca se sienten así, muchos sin batería. Es un enfoque de escenario abierto perfecto para los dignos compases de Conway y los lúcidos raps de ensueño del hermano Westside Gunn (ver el salvaje "Brucifijo"). Cuando aparece la percusión, a menudo es del tipo maravillosamente anormal y torpe ("Stab Out" y "Brick Fare"), propensa a causar movimientos de cabeza involuntarios y caras malas. Repleto de excelentes formas nuevas de describir la cocaína, las armas pesadas y la riqueza, Won't He Do It, a pesar de su tema limitado, sigue siendo intrigante e inteligente en todo momento. —Jonathan Rowe

Hay un trasfondo oscuro en la vida contemporánea: una sensación multifacética de desesperación. Todos estamos más conectados y aislados que nunca en un mundo que se tambalea al filo de la navaja, y el costo humano puede ser abrumador. Jackson Abdul-Salaam de Portland, Oregon, grabando como Commuter, ha tomado este como su gran tema. No Longer Penitent es un mosaico de grabaciones de campo y salvas de ruido en bruto que tienen menos que ver con la narración que con las malas vibraciones. Escucharás voces resonando alrededor de los bordes de, por ejemplo, "Dos colchones arrastrados debajo de la autopista. Emocionalmente comatosos", pero esto no es el arrastre distópico (más literal) de Collected Voice, Text and Tape Works de Josh Peterson. Más bien, la música de Abdul-Salaam es como una tira insondable de Möbius con cristales rotos, metal quemado y frecuencias que pinchan los oídos: un espejo psíquico sostenido por un mal día para la sociedad que probablemente no terminará pronto. —Raymond Cummings

¿No puedo esperar para el seguimiento de Rosalía a Motomami? ¿Podríamos sugerir a Demira, una estudiante de posgrado holandesa de día, productora, poeta y mente maestra de la guitarra de noche, que ha fusionado estos mundos en una maravilla de debut? Iggy es un mito de la creación que se desenvuelve como un caleidoscopio apuntando a su corazón inquieto. Demira tiene una habilidad seductora para combinar las referencias más inverosímiles: instrumentos indios clásicos ("Dismas"), El nacimiento de Venus ("Fecha barata"), sintetizadores furtivos de Depeche Mode ("Dos mitades de un todo") y Diet Coke para desayuno ("Salai"), en tesoros embriagadores que también podrían iluminar una pista de baile en Ibiza. La más destacada es "Metropolis", una asombrosa invocación de angustia que pregunta: "¿No se han organizado nuestras vidas en torno al decepcionante deseo masculino?" Excepto que en realidad no está preguntando. — SG

Otra mezcla deslumbrante de jazz, hip-hop y R&B de los titanes del género Terrace Martin, Kamasi Washington y Robert Glasper, Enigmatic Society funciona igual de bien en un club nocturno con un mínimo de dos tragos que en una carpa de Coachella. "Insane" con Ant Clemons es una oda al amor ahumada y color saxofón tan bueno que es malo para ti, mientras que el vocalista Arin Ray brilla en jams de estilo Soulquarian como "Breathe" y "For Granted". El dominio colectivo del ritmo y la atmósfera de Dinner Party se escucha mejor en "The Lower East Side", mientras el saxofón de Washington baila alrededor de una línea de bajo sintetizado no muy lejos del territorio policial de Beverly Hills. —Jonathan Cohen

Con toda la nostalgia alimentada por el When We Were Young Fest por el emo de mediados de la década de 2000 en el aire, no sorprende que astutos supervivientes como Fall Out Boy miren hacia su pasado en 2023. En lugar de imitar su apogeo, el octavo álbum de la banda El álbum comienza donde lo dejó el brillante fracaso de 2008, Folie a Deux, con un conjunto de himnos rimbombantes, ocasionalmente funky, de arena rock. Ya sea evocando a Cure de los 80 con el riff del pedal de coro en "Fake Out" o reclutando a la Orquesta Metropolitana de Londres para proporcionar cuerdas disco en "What a Time To Be Alive", So Much (for) Stardust flexiona los diversos gustos de Fall Out Boy sin el EDM brillo de sus desiguales álbumes de la década de 2010. - COMO

Siempre es refrescante cuando un gran artista nos sorprende. Leslie Feist, siempre intransigente, nos lleva a su épica Odisea en multitudes, como solo ella puede hacerlo. Escrito en un momento de gran cambio en su propia vida, el álbum refleja un mar tormentoso de emociones mientras navega por algunos de los mayores regalos y angustias de la humanidad: la vida y la muerte. Feist siempre nos ha contado historias musicales que son grandes, incluso cuando son increíblemente tranquilas. Esta vez, y nunca sabremos cómo, su inspiración personal sigue siendo tan universal. —Liza Lentini

Una amplia celebración del amor queer, Radical Romantics abarca desde la emoción de anhelar un toque sensual hasta la búsqueda de venganza contra un acosador. Karin Dreijer nos transporta a un club nocturno deliciosamente sórdido, donde incluso los clientes más tímidos sudarían con extraños hermosos en medio de los ritmos palpitantes de canciones como "Shiver" y "Kandy". Es más sórdido que la era Deep Cuts del querido otro grupo de Dreijer, The Knife, y al mismo tiempo se siente más dulce, con mucho corazón latiendo bajo el deseo. Con tanto discurso en torno al renacimiento indie sleaze, este podría ser el lanzamiento que mejor se adapte al resurgimiento del movimiento, lo que demuestra que la nueva iteración puede tener sustancia sin dejar de ser divertida y lasciva. – TT

GloRilla fue el novato del rap sureño de 2022, irrumpiendo en la industria con otros cuatro raperos hambrientos de Memphis conocidos colectivamente como Glitter Gang. El cuarteto consiguió un éxito en la radio con el canto de animadoras "Shabooya", y Gloss Up rápidamente se estableció como una potencial estrella solista en su proyecto debut para Quality Control. Antes de que Gloss Up actualice el crunk de la vieja escuela de Memphis con ritmos martilleantes de Twysted Genius y Hitkidd, pero la charla de mierda alegre de Gloss Up es la atracción principal: inigualable, tengo a mi entrenador en mix-matched / He estado flexionando estas azadas, ¿dónde diablos está mi paquete de seis? - COMO

Este prolífico trío de piano, bajo y batería del Reino Unido siempre se ha arraigado en un sonido de jazz aventurero, pero la llegada del nuevo stickman Jon Scott ha llevado su música más reciente a lugares diferentes y emocionantes. A la vez tensa y meditativa, canciones como "Friday Night Film Special" y "Glow" nacieron de largas improvisaciones y recuerdan el lado más cinematográfico de DJ Shadow de la era Endtroducing. En otros lugares, los sintetizadores sutiles agregan calidez a las melodías puntillistas de "Glimmerings" y "Saturnine", mientras que la canción principal y "Parasite" ofrecen delicias polirrítmicas que mueven la cabeza. Más allá de la música en sí, cualquier grupo con las pelotas para llevar un piano de cola a los clubes de rock todas las noches en 2023 seguramente merece su tiempo y atención. — JC

Este álbum debut de este erudito nacido en Londres y radicado en Noruega es una mezcla levemente teatral de lo solemne y lo beatífico. Un torbellino de instrumentación poco convencional, grabaciones de campo, ediciones de cintas y los monólogos abstractos de Pope, It Goes Without Saying tiene una singular energía ajena, y reproducirla puede ser como salir a la superficie sin darse cuenta en un remix de los sueños benignos de un extraño. "Shot Film" recopila cortes y saltos, como si una aguja saltara en un LP en vivo y en blanco. En "Dipping the Bells", la carillonista invitada Laura Marie Rueslåtten acompaña muestras de agua corriente y cantos de pájaros. "Los márgenes son pequeños cuando la cama seca a los más húmedos", adivina Pope en la canción principal, mientras las superficies de vidrio cantan, los efectos se pelean y las arenas movedizas esperan oportunidades para chupar su voz como aspiradoras. — CR

El dúo Illiterate Light's Sunburned de Harrisonburg, Va. está envuelto en distorsión, con la voz del líder Jeff Gorman a menudo bañada en reverberación, y sus guitarras y líneas de bajo cubiertas de fuzz. El segundo álbum de la banda influenciada por Neil Young tiene el ambiente oscuro y desolado de la era "Ditch Trilogy" de Young, ocasionalmente iluminado por los acordes resonantes de "Light Me Up" o la letra secamente divertida de "Fuck LA". Sin embargo, el baterista Jake Cochran realmente da vida a las canciones más tristes de Gorman, golpeando su kit con ritmos al estilo de Bonham que bailan alrededor del dulce oído psicodélico, y construyendo "Heaven Bends" desde el synth pop sincopado hasta un clímax catártico que se siente como un mal viaje. - COMO

Una progenie alternativa de mediados de los 90 del molde Big Star y Hüsker Dü, el líder de Superdrag y Lees of Memory, John Davis, sobrevivió al MTV Buzz Bin para convertirse en uno de los compositores más fuertes y consistentes del power pop. Aunque obviamente está informado por el evangelio, My Hope Is Found... sigue siendo conscientemente amable con su mensaje y accesible para todos. Tocando todos los instrumentos directamente en la cinta en un enfoque de producción totalmente analógico, Davis explora estilos desde el R&B de Detroit de los años 60 ("I Should've Known") hasta los Beach Boys de los 70, McCartney en solitario, Elliott Smith con toques de jazz ("Sunny Climas"). ), e incluso el santo shoegaze ("You Never Let Me Go"). Para que la gente no siga olvidando que Jesús fue un desecho social que rehuyó a la iglesia del hombre, Davis describe el álbum como una expresión del "evangelio real... no el evangelio de las armas, el odio por las personas migrantes y la comunidad LGBTQ+". — JR

Al escucharlo por primera vez, el tan esperado álbum colaborativo del productor Kaytranada y el rapero Aminé se ve algo eclipsado por invitados de alto perfil como Freddie Gibbs, Snoop Dogg y Pharrell Williams, cuyo estribillo en la pavoneante "4EVA" agrega un poco de dulzura a letras por lo demás cuestionables ("Te estoy mirando a los ojos pero tú me miras a los labios / Hablas de tu mamá pero piensas en mi polla"). Afortunadamente, las producciones repletas de muestras de Kaytranada, que se sumergen en todo, desde la tropicalia y el oscuro grupo de jazz británico de los 70, Both Hands Free, hasta la banda sonora de 1997 dominada por el R&B, Love Jones, eleva el material a un territorio ideal para una barbacoa en el patio trasero del verano. — JC

La suma sacerdotisa del noir benzodiacepínico del pop dispensa potentes dosis en su noveno álbum. De sus 16 canciones, la pista "A&W", también conocida como American whore, es la más psicoactiva en su hábil transformación de una exuberante balada acústica a un sórdido trap hop. Es un cambio logrado y sensual, pero, como la narrativa misma (que rastrea el abandono entumecido de los usados), la belleza de la melodía y sus movimientos es inseparable de su nihilismo. Incluso las pistas de tonos más claros, como el abridor "The Grants" (el nombre de pila de Del Rey es Elizabeth Grant) son ejercicios discretos de subversión, y las primeras insinuaciones hacia la salubridad a través de la niñez, la familia e incluso John Denver pronto se deforman suavemente en una futilidad sonriente. —Matt Thompson

La mejor nueva banda sueca de metal es de... ¿Minneapolis? Con una disciplina moderna, el disco debut de Majesties rinde culto al sonido del death metal melódico de Gotemburgo de la década de 1990, donde la dureza amarga y privada del sol se encuentra con las melodías de Iron Maiden. El grupo adopta los giros y vueltas que se encuentran en los primeros At the Gates e In Flames, pero va notablemente al grano sin sucumbir a la comercialización insulsa que plagó a Gotemburgo más tarde. Teniendo en cuenta que muchas bandas "nuevas" de la vieja escuela intentan ser tan estúpidas como Mortician y fracasan, es bienvenido ver cómo la composición, la melodía y la emoción reinan en un álbum de death metal como Vast Reached Unclaimed. —Andy O'Connor

Desde el innovador trío de jazz BADBADNOTGOOD, del que fue cofundador, hasta Kendrick Lamar y Rosalía, para quienes ha escrito canciones, Matthew Tavares ha puesto su sello creativo único en una vertiginosa variedad de música durante la última década. Sin embargo, la esencia de Tavares como ser humano nunca ha sido tan maravillosamente evidente como en este último lanzamiento en solitario bajo el apodo de Matty (él escribió, produjo, interpretó, mezcló, diseñó y masterizó todo). La canción principal subvierte la melodía de "What Is Life" de George Harrison en una mermelada de fogata drogada e infundida con bongo, mientras que "Eu Pergunto Isso a Vocé" y "Ao Luar" parecen distorsionados en el tiempo de un disco de guitarra acústica de Windham Hill alrededor de 1982. , y "Meu Coracao No Seu" comienza en un territorio de dormitorio de baja fidelidad antes de transformarse en 45 segundos de reggaeton de universo alternativo. ¡Dios mio! — JC

Nadie podría haber culpado a Nickel Creek por tocar su última reunión de manera un poco segura al resucitar a su prog-grass favorito de los fanáticos en la gira, sacar un LP familiar cuando los horarios lo permitían y luego regresar rápidamente a las respectivas carreras de sus miembros. En cambio, el trío escribió y grabó un quinto álbum vertiginosamente ambicioso, Celebrants, que supera todo el trabajo anterior, incluido su predecesor de 2014, A Dotted Line. Todo está aquí: impresionante interacción instrumental entre la mandolina, la guitarra y el violín ("Going Out"), armonías perfectas ("The Meadow") y coros llenos de lágrimas para paseos introspectivos en automóvil ("Stone's Throw"). Nos vemos en otros nueve años. — RR

La asombrosa consistencia de Obituary desmiente el crecimiento continuo de las leyendas del death metal de Tampa, Florida, que no solo son una de las bandas en vivo más unidas del metal, sino que también se han mantenido fieles a sí mismas sin volverse obsoletas. Más de una década después de unirse, el guitarrista Kenny Andrews sigue siendo un contraste abrasador para Trevor Peres y su riff fangoso, perforando la oscuridad pantanosa de Obituary con pistas electrizantes. Peres tampoco se está deslizando sobre la vieja gloria y la mercancía irregular de Blue Grape: está más profundo que nunca en los ritmos y saboreando su poder embriagador. El vocalista John Tardy, afortunadamente, todavía suena como John Tardy. — COA

El descabellado metal industrial de Primitive Knot ha enfatizado últimamente la segunda mitad de esa fusión (Ur Metal del año pasado fue prácticamente el mejor álbum de Ministry en décadas). Con Undying Lands, el equipo con sede en Manchester, Reino Unido, ha ido aún más lejos con la brutalidad mecánica al rojo vivo, agregando una buena dosis de riffs Celtic Frost de ritmo medio. Reducir la velocidad funciona en temas como "Into The Mouth of Madness" y "Hour of the Wolf", digno de "¡OUGH!", con una percusión insensible y fuerte que fortalece el martilleo de las guitarras. A este ritmo, Primitive Knot traerá de vuelta la actuación frente a vallas metálicas. — COA

El sintetizador de mazmorras, como el black metal del que se generó, generalmente evita la fidelidad. Quest Master de Australia lleva el género hacia la luz del sol con Sword & Circuitry, revelando nuevas dimensiones en un sonido amurallado. Al enfatizar la percusión, Quest Master da un gran salto adelante, transformando serenas melodías de teclado en justas cruzadas. "Cerulean Depths" pasa de una sesión helada a la llamada de un aventurero cuando suena la batería, y los ritmos propulsores de "Hanging Garden of Chrome" podrían encajar junto a cualquier pista de Skinny Puppy en la pista de baile de un club gótico. Sword & Circuitry no está atado por la nostalgia de una época medieval inventada: es su propio mundo fantástico. — COA

El compositor japonés grabó 12 tarde cuando la mortalidad se acercaba hacia el final de una danza con cáncer de casi una década. Estrenada en enero, dos meses antes de su muerte, 12 no es una hora morbosa. Camina, más bien, a lo largo de senderos auditivos de gracia y asombro. Algunas pistas, como "20211201", son más ligeras y aireadas que otras, pero incluso piezas más completas y exuberantes como "20220214" insinúan una tumba vacía en lugar de una de tierra apisonada y decadencia. — MT

Desdibujando perpetuamente la línea entre las historias de la vida real sobre el tráfico de drogas y los disparos mientras crecías en Rochester, Nueva York, y una rica mezcla de narraciones por contar historias, Rx Papi puede ser simplemente demasiado para muchos oyentes. Sin embargo, supere las armas que agitan en Instagram Live y encontrará a un rapero extraordinariamente talentoso que intenta sobrevivir un día a la vez, ya sea comparándose favorablemente con Ray Charles ("Smacc Man"), superar a la competencia con la ayuda del colaborador de toda la vida RXK Nephew ("Restaurante chino"), o inventar un alter ego absurdo que vende marihuana y bebe una fuente de Coca-Cola con hielo, y definitivamente no da muestras gratis ("Zaza Man" ). — JC

Es fácil saber cuándo un artista da el salto de "talento y podría lograrlo" a "finalmente llegó", y eso es lo que ha hecho Ruston Kelly en The Weakness. Después de un comienzo difícil de la década que lo vio dejar tanto su matrimonio como Nashville, el cantautor se agachó y se puso a trabajar en la música, y en sí mismo. "Let Only Love Remain" recuerda sin recriminaciones su divorcio de Kacey Musgraves, mientras que "The Mending Song", un tema amable y confesional, encuentra a Kelly finalmente en paz consigo mismo mientras lidia con el dolor que ha abarcado la mayor parte de su vida adulta. No todo es serio, ya que "Michael Keaton" muestra el lado humorístico de un artista talentoso que está mereciendo su merecido. — NS

Los miembros del quinteto cruzado de Houston Skourge tienen compromisos externos bastante grandes: el guitarrista Jacob Duarte y el baterista Carson Wilcox tocan en los revivalistas de rock alternativo Narrow Head, y el vocalista Seth Gilmore también canta en Fugitive. Sin embargo, el grupo aún ha logrado lanzar un evento de nivel de extinción con Torrential Torment. La intro de chug bass de la canción principal es más dura que el 99% del metal este año, ¿y una vez que el resto de la banda entre en acción? Tu cara y el concreto son básicamente amigos cercanos en ese punto. El elemento básico en vivo regrabado "Freedom Denied", cuya versión original data de 2016, es totalmente demente, con guitarras que se arremolinan violentamente y se entrecruzan entre sí. Básicamente, si "Rapture" de Morbid Angel estuviera en Master Killer de Merauder, ¡sí! Tejas sobre todo. — COA

Amargas diatribas. Latidos. Latidos. Comentarios sarcásticos. Funk corroído. Punk-hop. Post-punk. Post-esperanza. Cuentos fracturados. Envidiar. Culpa. Autodesprecio. Furia. Munto musica. Sube el volumen y baila como si no te importara, en una habitación llena de objetos frágiles preciosos de otra persona. Break dance. Baile de ratas. Munto baile. A quién le importa. No escuches a UK Grim si no te gustan los ingleses sarnosos que maldicen lo bleep bleep que es todo. Aquí nadie quiere que veas la luz. Pero si eres un poco idiota, entonces sube el volumen y muévete. — MT

Después de haber pasado de ser un punk acústico de la escuela secundaria a un músico callejero sin hogar en el paseo marítimo de Venecia y a una aclamada cantante y compositora de raíces folk/blues, Sunny War lanza flechas con puntas de veneno en su nuevo álbum sorprendentemente personal, muchas apuntando directamente a ella, algunas ya han encontrado carne. Escritas en gran parte en su apartamento de Los Ángeles con las luces apagadas y botellas vacías rodeándola después de una ruptura, las canciones lidian con la depresión, la adicción y la muerte del amor, pero son atractivas en su oscuridad. El tono se establece con el abridor "Love's Death Bed", su melancolía flota en cascadas de hábiles toques de dedos y enérgicas llamadas y respuestas al estilo del evangelio con un coro que incluye a la invitada Allison Russell. La mezcla de emociones francas y tonos atractivos continúa en todo momento, desde cantos grupales enérgicos hasta contemplaciones solitarias apagadas. También hay fuego: una versión de "Baby Bitch" de Ween presenta un coro de niños (en verdad, tres hombres adultos con voces aceleradas, al estilo de las ardillas) cantando "Fuck you, you stinky pendejo". — SH

Durante 20 años y nueve álbumes, Hold Steady pasó de ser la mejor banda de bar de Estados Unidos a una de las mejores bandas de Estados Unidos, punto. The Price of Progress impulsa su estruendosa marca de punk, blues y rock más allá que nunca. Vale la pena con curvas irresistibles como "Understudies", una canción sobre el mundo del espectáculo con un ritmo funky al estilo "Miss You" de los héroes de la guitarra Steve Selvidge y Tad Kubler. Todo rueda directamente hacia el cielo en la ondulante "Distorsiones de la fe", sobre una estrella del pop que toma un concierto pagado en una dictadura y trata de no pensar demasiado en eso en el vuelo de regreso. De hecho, nadie escribe como Craig Finn. Los acertijos de la fe y la fragilidad que impregnan los primeros álbumes como Separation Sunday y Boys and Girls in America han hecho metástasis en el malestar de la mediana edad, donde el paso del tiempo se cierne como una broma cruel. Finn se obsesiona con las personas involucradas en "facsímiles de diversión": la vida matrimonial ("Perdido"), las conexiones alimentadas por Adderall ("Sixers") y las ligas de softbol para adultos ("Carlos Is Crying"). "Nueva medicación para la misma vieja depresión", como dice en "Sideways Skull". Es la única canción aquí donde los personajes de Finn encuentran alegría, o algo parecido. Como se lamenta el protagonista del pirorockero, "es difícil rockear por completo en un centro de rehabilitación". — SG

Los hermanos de Long Island, Brian y Michael D'Addario, siempre se han visto influenciados casi exclusivamente por el rock anterior a 1983 y, a medida que crecían, pusieron su propio sello distintivo en esas inspiraciones de la era del vinilo. Un hilo melancólico recorre su cuarto álbum, y "New to Me" y "Born To Be Lonely" contemplan los escollos de la vejez con empatía y sensibilidad. "Any Time of Day" tiene el brillo del rock suave de un clásico de oro AM perdido, y "Still It's Not Enough" podría haber sido escrito en un porche de Laurel Canyon en 1971. Everything Harmony es el álbum más bonito de Lemon Twigs hasta la fecha. pero también hay una ventaja de Tom Verlaine en el nervioso solo de guitarra al final de su rockero más enérgico, "What You Were Doing". - COMO

Uno de los muchos momentos felices del quinto LP de UMO es "Meshuggah", una melodía art-funk que comparte mucho más ADN con Steely Dan que con la banda sueca de metal del mismo nombre. Es como si el líder de la banda, Ruban Nielson, no despertara un día recién obsesionado con Gaucho o algo así: el ritmo es un ancla en todo su catálogo, desde el crujido psicológico de baja fidelidad de II de 2013 hasta la experimentación jazzística de IC-01 Hanoi de 2018. Pero incluso en su forma más onírica, V está en otro nivel del alma, desde el balanceo de palmeras de "That Life" hasta el R&B y la espectacularidad del héroe de la guitarra en medio del clímax de "The Garden". — RR

Cuando una banda de bricolaje firma con un sello indie de primer nivel, los fanáticos a menudo se preocupan si el encanto rudimentario anterior aún se puede capturar en medio de un acuerdo comercial de música más tradicional. Afortunadamente, Matador ha demostrado ser el hogar adecuado para el dúo de indie pop experimental Water From Your Eyes, una de las pocas bandas jóvenes de la actualidad que está a la altura del apodo del género. Pronunciadas con inexpresividad, las letras introspectivas de Rachel Brown encuentran humor en el caos de la vida, mientras que los sonidos polirrítmicos del multiinstrumentista Nate Amos complementan el frenético juego de palabras de "Barley" y la sardónica canción de cierre "Buy My Product". Everyone's Crushed marca una nueva y emocionante era en las grandes ligas independientes para el dúo, mostrando su rango expansivo. — TT

Mientras que algunas bandas independientes de country alternativo intentan encontrar la gloria emulando a Big Thief, Wednesday ha construido su culto siguiendo una ruta radicalmente diferente. El grupo de Asheville, NC, está ampliando los límites de lo que puede sonar el country: el lap steel se usa de una manera muy diferente de lo que cabría esperar, lo que se suma a los exuberantes paisajes inspirados en el shoegaze. El resultado es algo inquietante pero atractivo, con letras que combinan con la intensidad del sonido encantador. La líder de la banda, Karly Hartzman, mitifica su ciudad natal mientras lo invita a dejarse cautivar por su dureza en canciones como "Hot Rotten Grass Smell" y "TV in the Gas Pump", mientras pasamos por calles desoladas, letreros de neón fuera de servicio y autopistas. signos cayendo. Entre la flexión de géneros y la narración de historias, hay mucho por lo que cautivarse. También es raro el momento en que una banda que no es de una gran ciudad muestra que puede prosperar sin dejar de amar el lugar de donde proviene. — TT

Culpe a la pandemia o no, pero las cosas han cambiado en el mundo de Wolf Eyes en los últimos años: una residencia en la Biblioteca Pública de Nueva York, una alineación continua de dos hombres y una estética del mundo del arte de limitado (a veces severamente) ) ediciones físicas que se duplican como pinturas e ilustraciones enloquecidas. Lo que no ha cambiado es el compromiso del dúo de Michigan con un flujo constante de terrores nocturnos pegajosos y serpenteantes. Otra maravilla en un renacimiento fuerte y sutil al final de su carrera que incluye el intenso Dumpsters & Attitude, Feedback & Drums vol. 2 es más o menos como se anuncia: cuernos psicoactivos, gemidos primordiales, distorsión deslizante y cadenas de pedales de efectos pisoteadas por Sasquatch, si Sasquatch tuviera un sentido exquisito del ritmo y un par de hachas para moler. — CR

Ninguna banda equilibra el entusiasmo, la locomoción y la angustia como Yo La Tengo. En su decimoséptimo LP, el trío es más vívidamente indispensable por primera vez en bastante tiempo, convirtiendo los nervios de la mediana edad en rock'n'roll que revoluciona, sumerge y silenciosamente satura tus sinapsis. El desenfrenado y rechinante "Brain Capers" brilla como una caja de fusibles sobrecargada, mientras que el astuto "Tonight's Episode" expresa el desánimo con alardes de trucos de yo-yo y una de las líneas de bajo más selectas de James McNew. Y si la canción que da título al título es un himno marital de Shaker a las locuras de alejarse del único mundo que tenemos, la deslumbrante "Miles Away" encuentra a la baterista/cantante Georgia Hubley a la cabeza de lo que podría ser lo más cercano al horario estelar de Enya, estos tres tocarán. alcanzar alguna vez. — CR